Una historia oral de las colecciones Run de Susan Cianciolo y de una Nueva York perdida hace mucho tiempo en la década de 1990

Aug 30, 2023

Por Laird Borrelli-Persson

Nota del editor: Estamos resurgiendo esta historia, publicada originalmente el 20 de junio de 2017, programada para una subasta en vivo del archivo histórico de diseños RUN de Susan Cianciolo de Liz Goldwyn. Organizado por la galerista Bridget Donahue y Special Offer, el evento comienza hoy y continúa durante dos semanas.

Susan Cianciolo, una figura subversiva pero de voz suave en la escena creativa de la ciudad de Nueva York en la década de 1990, diseñó las colecciones 11 Run entre 1995 y 2001. Su práctica, que incluía círculos de costura, era única y colaborativa. "El trabajo de Susan", dice Stella Ishii, quien la representó en ese entonces, "era importante porque no seguía necesariamente ninguna norma de confección de ropa. Ella marchaba a su propio ritmo, que estaba en algún lugar entre la confección de ropa y las bellas artes y el arte escénico. "

Nacido en Rhode Island, Cianciolo recuerda: "Cuando era niño, mis vestidos estaban completamente hechos a mano, con cualquier cosa que se te ocurra, las cortinas, las mantas de las camas... Mi mamá me compró una suscripción a Vogue. Así es como yo comenzó." Después de la Escuela de Diseño Parsons, Cianciolo trabajó como ilustrador para Geoffrey Beene, hizo ventanas para Bergdorf Goodman y creó volantes para Club USA, antes de firmar con Badgley Mischka. Sí, Badgley Mischka. Y no, no duró mucho. Tomó un trabajo de medio tiempo en X-Girl de Kim Gordon mientras lanzaba su propia línea, Run, en 1995. ¿Por qué la llamó Run? "Tenía poco más de 20 años y me sentía tan intrépida e invencible", dice Cianciolo, quien de hecho fue corredora en su adolescencia. "Quería huir de todo lo que existe, [ser] subversivo, estar en contra del sistema".

Después de haberse desvanecido más o menos de la escena de la moda hace más de una década, Cianciolo, últimamente, ha sido acogido calurosamente por el mundo del arte. Volvió a presentar su restaurante Run de 2001 en la Bienal de Whitney de este año, participó en Frieze, actualmente se encuentra en una exposición colectiva en Los Ángeles y tiene dos exposiciones planificadas para el otoño.

También hemos registrado su influencia en las pasarelas, donde la nostalgia de los 90 está viva y prospera. Mike Eckhaus y Zoe Latta del sello Eckhaus Latta, aclamado por la crítica, incluso han incluido a Cianciolo en sus shows. "Hay muchas marcas que admiramos que surgieron en los años 90", dice Eckhaus a Vogue. "Tiendo a sentir nostalgia no solo por una estética, sino por un concepto de moda y una estructura que parece, no estuve allí para experimentarlo, pero un período de tiempo antes de que la moda se hipercomercializara, antes de que se volviera pop cultura, esencialmente".

Por supuesto, cuando hablamos de "la década de 1990" hoy, los que estuvimos allí y los que somos demasiado jóvenes para recordar, en realidad nos referimos a recuerdos a menudo dorados de una realidad más dura. Como me recuerda la galerista Andrea Rosen, quien fue la anfitriona de la primera presentación de Cianciolo en Run, en una conversación reciente, "A medida que pasa el tiempo, perdemos la capacidad de poder distinguir cómo la forma en que nos sentimos ahora es diferente de la forma en que nos sentimos entonces. " El tiempo quita un poco de ventaja a lo que fue, para muchos, un período arenoso de creatividad contra viento y marea. Con una recesión furiosa y el fin del milenio que se avecinaba, ese mensaje era nihilista, rudimentario y urbano. "Creo que Susan es una artista callejera", declara Rosalie Knox, fotógrafa y ex asistente del diseñador. "Realmente la veo como una especie de versión de una artista de grafiti. Hace dibujos y luego hace ropa improvisada. Es una especie de sentimiento misterioso y un poco ilegal".

Las presentaciones de Cianciolo's Run fueron igualmente colaborativas y desordenadas. "Comunidad, es una muy buena manera de hablar sobre Susan", afirma Liz Goldwyn, una musa de Cianciolo que ayudó a producir varias colecciones de Run y ​​se convirtió en una importante coleccionista de la línea. "Run era realmente una secta. Cuando digo secta, era una comunidad, y digo secta de una manera entrañable, no como la Cienciología, aunque era como una religión, realmente lo era. Creo que la gente quiere un sentido de comunidad. Hemos sido una cultura tan narcisista y obsesionada con las celebridades, y mira a dónde nos ha llevado eso políticamente. Creo que es natural que en la moda estés regresando a algún elemento de la humanidad, lo que creo que fue muy evidente en el estilo de Susan. ropa."

Dos de las cualidades que hicieron, y hacen, el trabajo de Cianciolo tan resonante son sus bajos medios de producción (el trabajo manual y la reutilización son fundamentales para su práctica) y la comunidad artística independiente pero comprometida que la ayudó a crear. "Todo esto era un asunto de presupuesto reducido", explica Danny McDonald, un escultor. "Este no era el tipo de material que se diseñaba en una computadora y luego se enviaba a una fábrica; en realidad, lo hizo un grupo de personas que trabajaban juntas, a menudo codo con codo, en el estudio. Si fueras allí, era como entrar a la iglesia, estaba muy tranquilo. Tenían dos mesas largas de gente cosiendo y trabajando intensamente”.

Si bien había un cierto aspecto de preciosidad en el trabajo de Cianciolo: "[lo mirarías y] desearías poder ser así de soñador", dice la estilista Camilla Nickerson, su fantasía se equilibraba con una calidad cruda que se derivaba parcialmente de la ropa. ' pedacitos rescatados (lo que llamaríamos upcycling hoy), pero más aún por las existencias callejeras y precarias que Cianciolo y muchos de su círculo estaban viviendo. "Nos basamos en Larry Clark, nos basamos en Nan Goldin", dice el fotógrafo Marcelo Krasilcic. "No había dinero; todas esas revistas para las que [trabajé], no me pagaban ni un centavo y pienso lo mismo con Susan, lo mismo con todos. [Nosotros] vivíamos cheque a cheque; teníamos tanto muchas limitaciones. Por otro lado, había tanta libertad; podíamos explorar todo lo que quisiéramos. [Editorialmente] la ropa no importaba tanto, se trataba más del mensaje".

Siempre provocador, a medida que el mundo de la moda se vuelve cada vez más poblado por colectivos, sin mencionar que cada vez se centra más en las colaboraciones, Cianciolo lo hace solo. ¿Y en cuanto a esa nostalgia de los 90? "Cuando la gente me pregunta al respecto, como Zoe [Latta], o cualquiera de estas personas que no estuvieron allí, puedo contarles todo al respecto, pero estando allí, nunca querría volver", dice Cianciolo. Aún así, admite, "no me arrepiento y es la base de mi trabajo, estas cosas de los 90". Como también son las "cosas" de nuestros sueños de moda, le hemos pedido a Susan, y a otras 20 personas que la rodeaban, que documenten las colecciones de 11 Run y ​​una ciudad de Nueva York ahora perdida, en la que la creatividad era un poco más salvaje que lo hace en 2017.

Ejecución 1 29 de octubre de 1995 Andrea Rosen Gallery, 130 Prince Street, Nueva York

Susan Cianciolo: Me separé de Badgley Mischka en muy buenos términos y luego comencé a construir furiosamente una serie de dibujos en los que trabajé durante meses y meses, sin dormir nunca, todo el día. Rita [Ackermann] vino y los miró y dijo: "¡Guau! Le preguntaré a Bernadette [Van-Huy de Bernadette Corporation] y te ayudaremos a hacer un espectáculo". Y luego fuimos a Andrea [Rosen] y le dije: "¿Puedo hacer una muestra en tu galería?" Nunca olvidé que Andrea solo dijo que sí, frío. Más tarde [le pregunté]: "¿Por qué dijiste que sí?" Estaba allí con una sudadera con capucha, ni siquiera sé si tenía un lugar para vivir. Y ella dijo: "Acabo de verlo en tus ojos".

Pude usar su espacio como quería. No tenía nada, así que solo tomé cinta adhesiva y dibujé una línea diagonal. Ya sabía que realmente estaba jugando con algunos límites increíbles porque Bernadette dijo: "Voy a comprar unos pantalones de chándal en la tienda de segunda mano y voy a cortar algunas camisetas sin mangas". 't físicamente hacer todo.

[Con] el artista textil Carter Carpin, hice teñido con lejía con cinta adhesiva. Recuerdo a Kevin Woon poniéndoles pelucas a las modelos; uno de ellos fue Julianne Nicholson, que ahora es una gran actriz. Conocí a Andrew Richardson y realmente me ayudó mucho. Prestó una navaja automática que Julianne llevaba en la pista. Solo había una ventaja [para] quién era yo, la forma en que vivía. Recuerdo dormir en las casas de la gente, ir a la casa de un amigo y decir: "¿Puedo recortar algunos patrones?" y luego iba a otro amigo: "¿Puedo coser algunas cosas?" "¿Puedo dormir aquí esta noche?"

Rosalie Knox, fotógrafa: Conocí a Susan en X-Girl, la marca de moda de Kim Gordon. Susan fue la impulsora, hizo las muestras y yo fui su asistente. Luego se fue para empezar lo suyo. Consiguió este espacio en bruto en Canal Street. Eran ella y Rita Ackermann. Susan no tenía dinero, pero fue emocionante y divertido; tenía gente interesante todo el tiempo. Armamos una oficina. Éramos chicas arruinadas y teníamos que hacer todo nosotras mismas. Necesitaríamos bandas elásticas y yo estaría como, "Bueno, ¿puedo comprarlas?" Y Susan diría: "No sé, no lo creo". Y yo diría: "Acabo de encontrar algo de cambio aquí, buscaré las bandas elásticas". Fue tan básico, pero solo a través de la fuerza de voluntad [lo hicimos].

Rita Ackermann, artista: Compartimos un loft de estudio en Canal Street y solíamos darnos mucho valor el uno al otro para forjar nuestros propios caminos. Teníamos muchos amigos en común y solíamos organizar eventos y fiestas artísticas. Siempre participaríamos en los proyectos de los demás; cuando tenía un desfile de modas, yo hacía todo lo posible para ser útil, y cuando tenía un espectáculo de marionetas, diseñaba ropa de alta costura para mis marionetas.

Vanina Sorrenti, fotógrafa: Vivíamos en el centro y nos lo estábamos inventando a medida que avanzábamos. Había una libertad fantástica y la culminación de la juventud que estaba ocurriendo. Nuestras referencias eran de nuestra vida cotidiana así como influencias del pasado, pero logramos reinterpretarlos y encontrar un equilibrio entre los dos. Fue mágico ahora que lo pienso, verdadera alquimia.

Thuy Pham, diseñador: No había dinero, y la motivación era publicar en una revista para que pudieras ser genial entre tus amigos. Eso ya no puede existir. En el mundo de las empresas emergentes, la motivación es hacerse notar por los inversores porque quieren hacer negocios, quieren jugar el juego VIP. El clima económico realmente creó un tipo diferente de incentivo para los jóvenes; no creíamos que pudiéramos ser profesionales, no creíamos que pudiéramos ganar dinero haciendo lo que estábamos haciendo. Todos lucharon por su dinero, solo estábamos siendo creativos.

Run Fall, alias. Ejecutar 2 1996 Estacionamiento Chelsea

Cianciolo: Aaron Lown, mi amigo de Parsons que es diseñador industrial, me presentó los textiles de Schoeller, porque usaban Kevlar y él estaba obsesionado con Kevlar (me hizo zapatos para mi primer desfile). Entonces, les escribí esta larga carta [solicitando patrocinio] y me respondieron desde Suiza y me dijeron: "Está bien, elijan lo que quieran". Toda esa segunda colección se hizo toda en textiles Schoeller. Pude obtener estas formas realmente escandalosas y comencé este patrón que era realmente abstracto. El padre de Aaron Lown trabajaba en SAS Shoes, esta empresa de calzado cómodo, así que lo llamé y le pregunté: "¿Me patrocinarías y usaría todos tus zapatos cómodos para personas mayores?". y dijo que si.

Sabía que quería empezar a ser atemporal, así que les presenté todos estos bañadores. Devra Kinery construyó todos los patrones para mí. Fueron todos estos trajes de baño y estas piezas gigantes de tela, telas de Schoeller de neón realmente resistentes que fueron arenadas, y luego serigrafié este estampado que Greg Foley de Visionaire hizo para mí. La idea era que una pieza gigante de tela que no estuviera cortada ni nada pudiera cubrir a una persona como si fuera una prenda. Y luego pensé que sería muy punk y las faldas cruzadas solo se sujetaban con alfileres, no había ningún cierre. La construcción fue muy importante para mí intelectualmente, y no sé si la gente mira hacia atrás y lo sabe. La construcción, para mí, era lo más importante.

Steve Marcus, un ilustrador que conocí, hizo todos estos tatuajes temporales de pistolas que ponemos en el cuello de las modelos, y trabajé con Michael Delfino para el maquillaje e hicimos este tipo de look muerto. Kevin Woon continuó conmigo en el cabello. El casting fue una mezcla de modelos y personas recién descubiertas que aún no eran modelos: yo las escogí, Bernadette las escogió, Rita las escogió. Tocaron No-Neck Blues Band (Matt, Dave, Sabir y Daniel) y fue entonces cuando decidí que me quedaría con la música en vivo para todos los espectáculos.

Aaron Rose, galerista, cineasta y exmarido de Cianciolo: Conocí a Susan por primera vez a través de mi amiga, la artista Rita Ackermann. Solíamos ir a ver música juntos a este lugar de buceo en el oeste de Spring Street junto al río. No recuerdo el nombre, pero había buen jazz. Ella estaba en el proceso de planear su segunda colección Run y ​​me pidió que fuera un guardia de seguridad para el evento. La presentación ocurrió en un estacionamiento. No estoy seguro de por qué me pidió que fuera seguridad porque soy muy delgado y nada amenazante, pero esa es Susan para ti.

Marcelo Krasilcic, fotógrafo: Susan y Bernadette Corporation fueron las que realizaron todos estos increíbles espectáculos. Siempre fue crítico, siempre fue profundo, siempre fue estudiado e investigado y cuestionado, y todo fue muy personal. Gran parte del trabajo en la década de 1990 fue mezclar modelos y personas y amigos reales. Creo que mucho de lo que hizo Susan, y mucho de lo que todos estábamos haciendo, fue muy significativo emocionalmente. Nos basamos en nuestras experiencias.

Anh Duong artista, modelo: Los años 80 se trataban de dinero y éxito y eran muy extravagantes. En los años 90 hubo una recesión, así que de repente todo se volvió sucio. Ya no se trataba de hombreras grandes, no se trataba de usar oro, y es por eso que Susan encajaba perfectamente porque se trataba de cosas que harías tú mismo; nada ruidoso y llamativo.

Camilla Nickerson, estilista: No se podía apurar a Susan. Cada pieza fue tratada con tanta ternura. Recuerdo sentirme increíblemente humilde porque Susan realmente lo estaba haciendo y yo tenía un gran asombro y admiración. Sentí que estaba arañando la superficie y que ella lo vivía y lo respiraba. Ella estaba bastante alineada con los tiempos; La influencia de Margiela todavía se sentía.

Ejecutar 3, pro-aborto; Anti Pink 27 de octubre de 1996 Showroom Seven 498 7th Avenue, piso 24, Nueva York

Cianciolo: Hicimos una película: Pro-Aborto; Rosa Anti. Pasé un verano construyendo un guión a través de dibujos. Aaron [Rose] haría estos hermosos collages de tipografía pintada y luego Phil Frost, [entonces conocido por su arte callejero], los agregaría. Los dibujos me dijeron de qué se trataba la película. Estaba viendo películas locas, locas que nunca podría volver a ver en mi vida, de Jean-Luc Godard, Leos Carax, pero era parte de mi autoeducación.

Harmony Korine era amigo de Aaron y Mark Gonzales, por lo que estaba cerca de nosotros cuando estábamos haciendo esta película. Hablé con Harmony a menudo y simplemente dijo: "Tengo un título para ti". Agregué "Anti Pink" porque parecía una buena yuxtaposición y podría usar ese rosa neón para algunos de los carteles y gráficos.

Luego invité a los artistas a participar. Anette Aurell, Tobin Yelland, Marcelo Krasilcic, Cheryl Dunn: había diferentes viñetas y yo hice toda la ropa. Terry Richardson está en esa película; entonces éramos buenos amigos. Con cada colaborador sentí que dependía de ellos ir a donde quisieran ir. Aaron me dio una cámara Super 8; Yo también estuve filmando todo el tiempo, y luego, cuando editamos, mis tomas terminaron siendo intermedias.

Liz Goldwyn, coleccionista, artista: Estaba en la escuela de arte en SVA, [y] acababa de mudarme del dormitorio, y Susan me preguntó si podía filmar una película de arte en mi pequeño estudio en Mulberry Street. Fue para su desfile de modas; ella hizo que algunos artistas hicieran videos para esa temporada. Así fue la presentación, cortometrajes.

Antoinette Aurell, fotógrafa convertida en sanadora: Vivía en París y me mudé a la ciudad de Nueva York y comencé a colaborar con Susan. La primera película en la que trabajamos juntos fue Pro-Abortion, Anti Pink. Lo que es realmente especial acerca de Susan es que realmente colabora mucho con mucha gente, y hay total libertad de lo que va a salir de ello; no hay control

Fuentes: Crecer en Nueva York fue desafiante y revelador, pero muy inspirador. Siempre estabas alerta y buscando el nuevo lugar creativo o terreno firme. Mi hija me dijo recientemente: "Mamá, ¿cuáles eran algunas cosas que se consideraban inapropiadas cuando eras pequeña?" . . . y luego me di cuenta de que nadie usaba esa palabra en mi juventud; simplemente lidiabas con lo que se te presentaba y la mayor parte era inapropiado. Era más un modo de supervivencia en el que estábamos, y el comienzo de lo que ahora es un entorno muy establecido donde todo tiene un valor de crecimiento predecible.

Knox: Había algo sucio en la moda; encontraríamos cosas en la basura, encontraríamos cosas en tiendas de segunda mano. [Éramos] una especie de carroñeros. Susan estaba profundamente involucrada en Alleged Gallery con Aaron Rose, y él tenía un grupo de artistas que vivían al límite. Los 90 fueron súper nihilistas. Mientras estaba en los 90, pensaba: "¿Qué son los 90?" Qué va a decir la gente al respecto, porque todos nos parecemos nada. Todo es una especie de holgazán a medias, cínico, caliente, tal vez un poco alto. Era como si todo el mundo lo hubiera superado y era una especie de recesión de los años 80 que era como, "Oh, Dios mío, vamos a ser millonarios" y, como, "¡Hay dinero en el arte!" Los estilos en los años 80 eran tan exagerados, coloridos y extremos y seguro que había una sensación general de auge. Sentí que los 90 fueron una especie de secuelas de depresión o algo así".

Andrea Rosen, galerista: Solo eran personas viviendo y siendo individualistas y siendo su propia generación, amigos. Nadie estaba sentado pensando: "Oh, somos reaccionarios o estamos en contra". No hubo energía puesta en eso. Era: "Somos. Esto es. Hay una libertad, estamos creando, estamos viviendo, estamos saliendo". Fue una experiencia fluida entre el trabajo y la vida nocturna.

Run 4 5 de abril de 1997 Glamour Furniture, 380 Broadway, Nueva York

Cianciolo: La carrera 4 estaba dedicada a mi abuelo que murió. Él me crió. [Mientras hacía la] colección, regresaba a Rhode Island por dos días y cuidaba a mi abuelo, luego me subía al autobús y regresaba. Recuerdo este abrigo, esta chaqueta blanca que tenía cientos de puntadas y la cosí mientras él moría. Toda la colección se basó en la muerte y en él, cuidando a alguien. Danny [McDonald] me hizo joyas de esqueleto para eso; fue profundo. Me gustó que los significados fueran muy subliminales, pero el trabajo de Danny realmente podía [ponerlo] ahí fuera, así que me ayudó a promover esa voz. Encontramos una tienda vacía en Broadway no lejos de White Street. Estaba deteriorado, pero todo era de vidrio. Tenía gente haciendo palabras habladas, como la artista de performance Judy Elkin [a quien] conocí cuando estaba saliendo con Olivier Zahm. Nikki [Uberti] tiró unos petardos. Julianne Nicholson se tumbó en el suelo y pronunció un discurso; Gillian [Haratani] de Art Club 2000 subió al escenario y tenía al perro de Jack Tilton con ella porque estaba cuidando mascotas. Las [modelos] salían y se quitaban la ropa y solo se ponían un traje de baño. Mi abuela hacía unos botines de punto a los que metíamos por dentro unos tacones y los cosíamos. Mark Gonzales hizo cientos y cientos de programas a mano. Dibujaba en sobres y escribía "Run Collection" y poemas y chistes y dibujos. Los pusimos en este viejo escritorio que encontramos y estaban desbordados por el suelo; solo entrarías y tomarías uno. Luego elegí citas, una de Marcel Duchamp—"No hay solución porque no hay problema"—y otra de David Lee Roth—"El dinero no puede comprarte la felicidad, pero puede comprarte un yate lo suficientemente grande como para detenerte". justo al lado", porque quería esa extraña extrañeza de estas dos citas brillantes de las figuras más opuestas del mundo. Los doblamos en esta pelota de fútbol y los pasamos a la audiencia, por lo que fue una exploración más profunda de la actuación completa.

Gabriel Asfour, diseñador de Threeasfour: Hubo un elemento de arte escénico que se agregó a sus colecciones. Muchos diseñadores del centro se presentaron en galerías o espacios que no eran lugares de pasarela tradicionales (en realidad, eso era más común cuando comenzamos) y la elección del espacio ya era un gran problema.

Danny McDonald, escultor: Estaba haciendo joyas realmente de forma limitada, para Rosalie [Knox], básicamente, y otros amigos. Solo intentaba hacer cosas realmente raras, y Susan siempre lo notaba, y luego, en cierto punto, tomó prestadas algunas cosas. Era casi como si estuviera colaborando con Susan de forma remota porque estaba haciendo todo esto con la idea, como, "Esto es para Susan", y resultó que realmente funcionó conceptualmente con lo que ella estaba haciendo.

Rosa: Nunca formé parte oficialmente de Run Collection, pero como Susan y yo estábamos casados, por defecto acabé participando en la mayoría de las colecciones. No estuve involucrado en el diseño de las cosas, pero ayudé a organizar y producir la mayoría de las presentaciones y algunas de las películas. Vivíamos juntas en un loft en Canal Street que también era su estudio, así que me despertaba por la mañana con un círculo de costura de chicas que trabajaban en la ropa de Susan. Run Collection fue sin duda un asunto de familia.

Frankie Rayder, modelo y musa: La comunidad es realmente grande. No se puede escribir un artículo sobre Susan sin mencionar a su exmarido Aaron. Había alegado [Galería] que era el centro de mucha [actividad]. Todo el mundo se reunía para los espectáculos; todo estaba entretejido. Había mucha energía y mucho poder de comunidad; todos se alimentaban unos de otros. Fue un tiempo realmente hermoso, y un tiempo muy puro; fue cuando la moda y el arte tuvieron este puro intercambio. Ver a Aaron preparar un espectáculo con sus amigos fue como si Susan se preparara para un espectáculo con su ropa. Algunas personas flotaban entre los dos, y también tenían su propio grupo de personas. Era solo esta relación artística realmente hermosa que tenían, [además de] su relación amorosa.

Ejecutar 5Sleepers 16-20 de octubre de 1997 Instituto Púrpura, 9, Rue Pierre Dupont, París

Cianciolo: Siempre he hecho muñecas desde que era joven. No sé por qué, pero para la Carrera 5 decidí hacer muñecos de tamaño natural y los modelé en uno de mis maniquíes, porque estaba muy obsesionado con los maniquíes y estaba trabajando con Ralph Pucci. [Entonces] Olivier Zahm dijo: "¿Por qué no vienes a París y haces un espectáculo en el Instituto Púrpura?"

Mientras llevábamos todo a mano al avión, encontramos relleno en Francia y lo cosimos allí. Debido a que era tan agotador, algunos no tenían piernas o les faltaba un brazo. Por supuesto, esto luego se interpretó como algo mutado y enfermo. No era exactamente eso, pero estaba bien con la abstracción.

Lo basé en el estado de sueño etéreo. Había cinco muñecas, y elegí a cinco mujeres y dije: "Vas a acostarte y dormir durante dos horas en el suelo frío con las muñecas". Fue cuando Rita [Ackermann] se casó; Hice la ropa para su boda. Kim Gordon, Jutta Koether, Chloë Sevigny y yo estuvimos en la fiesta de bodas. Todos nuestros atuendos se convirtieron en la colección Run 5. Vestí a todas las mujeres con ellos. Luego filmé una película con Anette Aurell en la que todas estas personas dormían en diferentes lugares: en el parque, en un edificio abandonado. La idea era que entrarías [y] verías esta actuación silenciosa [de niñas durmiendo en el suelo con muñecas], y luego verías esta película muda, y yo tenía cinco Walkmans que pondrías, elegirías cuál. Distintas personas hicieron [cintas] especiales: Kim Gordon me dio un casete, dos chicos de la No-Neck Blues Band; Judy [Elkin], que estaba en la carrera 4, hizo piezas de palabras habladas. . . No puedo recordar quién más.

Annette: Susan iba en contra de todo. Iba en contra de todas las modas. Nadie hace [el trabajo que ella hizo]; en cierto modo [era] como la alta costura, Yves Saint Laurent o Madame Grès o quien sea. En cierto modo, Susan hizo eso pero sin esa cantidad de dinero. Al mismo tiempo, no es como la alta costura para gente rica y estas [cosas] perfectamente hechas a la medida; [Las de Susan son] piezas únicas y realmente conmovedoras. Tenían un espíritu antiguo, algo así como los cuáqueros. Son muy abrigados, ya sabes, muy abrigados y hechos a mano. [Susan] también recicló cosas que ya existían, por lo que era algo sostenible. Cada obra es una obra de arte. Ella está realmente en esa línea donde la moda y el arte se encuentran.

Julie Gilhart, consultora de moda y ex directora de moda de Barneys New York: Susan estaba haciendo lo que todos los habitantes de Brooklyn estereotipados están haciendo ahora: artesanía, nicho, sostenible, artístico, auténtico, de calidad. Es una tendencia [ahora]: cuando Susan estaba haciendo su colección, era única y original. Estaba tan adelantada a su tiempo.

Desiree Heiss e Ines Kaag, diseñadoras de Bless: Conocimos a Susan en París. . . e inmediatamente fueron captados sobre todo por ella como persona: un aspecto sobresaliente, muy carismático; siempre con una sombra de ojos suave y colorida; su forma de vestir, su forma lenta de hablar con esta hermosa voz oscura. Susan con ropa aburrida es simplemente inimaginable. Ella es una de las pocas personas en las que podemos pensar que tiene un "estilo" sin esfuerzo pero significativo que es muy fuerte, ya que es 100 por ciento coherente con su personalidad y no se puede desconectar.

Ejecutar 6,Diadal 1998 La rotonda, la calle 79 y la autopista West Side

Cianciolo: Para Run 6, hice la película Diadal, que significa "victoria" en húngaro; Rita nombró la película. Presenté el kit de falda para hacer tú mismo de Run, bueno, se presentó para Run 6 y luego nuevamente en Run 9. La razón por la que quería hacer la película era dar demostraciones de cómo se cortaba y se hacía la falda. Creo que Run 6 fue quizás mi colección favorita porque construí estos cuellos, bolsillos y mangas que se separaban y podías conectarlos; era una colección realmente fascinante. Debido a que Rita [había] comenzado a tocar música entonces, dije: "Está bien, harás la partitura".

[Se presentó] en la Rotonda, que es un anfiteatro circular en la 79 y la West Side Highway. Le pedí a Paula Hayes, una artista fina realmente increíble que trabaja con plantas, que hiciera estas instalaciones de bodegones de plantas y ella construyó estas macetas de cemento para ellas y simplemente pusimos esta pantalla gigante en el centro de esta rotonda afuera y proyectamos la película. . Frankie [Rayder] hizo esta presentación en vivo después frente a la pantalla, justo lo que le dije que hiciera. Fue muy abstracto: se paró allí e hizo algunos movimientos, lo que se me ocurrió. Rita tocó con un grupo de los chicos de No-Neck antes de la proyección en ese anfiteatro. Recuerdo poner estos dibujos grandes afuera, como pegarlos afuera en todas partes, carteles que hicimos, cosas así. Esa fue, nuevamente, mi idea de las capas, como, ¿cuántas cosas podría colocar en capas?

Gilhart: Susan fue muy creativa no solo en su ropa sino también en sus presentaciones. Había muchos artistas geniales surgiendo en ese momento, y ella parecía ser tan parte de eso como lo era del negocio de la moda. Tenía que tenerla en la tienda porque su ropa era muy interesante y diferente, pero también porque ella, como diseñadora-artista, era genial. Definitivamente había esta sensación única, hecha a mano y hecha a mano. No era lujoso, pero tenía un sentimiento rústico más no urbano. Fue deconstruido pero no duro, si eso tiene sentido. Susan se destacó. Por eso la gente la amaba y la seguía.

Rayder: Cuando conocí a Susan, nunca había cosido en mi vida. Había un grupo de chicas sentadas alrededor de una mesa y ella solo me dio una aguja e hilo y yo solo la observé; no importaba que no supiera cómo hacerlo. Ella me enseñó a tejer. Yo tenía 20 años aprendiendo a tejer por primera vez, y le regalé esta fea pieza que estaba toda despeinada y se convirtió en parte de un vestido; alguien puso algo más y todos estaban trabajando en la parte superior. Susan fue la maestra gran arquitecta de todo el asunto. Mucho de eso era como las capas. Esa era la belleza de su trabajo. Tenía gente que solo tejía, tenía gente que era mejor cosiendo, luego tenía gente, como yo, que no sabía lo que estaba haciendo pero le encantaba tenerlos cerca. Había esta no estructura estructurada realmente interesante en todo esto.

Knox: Susan es como una maestra deconstructivista. Siempre cortaba cosas y las volvía a coser un poco diferentes, o cortaba diferentes partes de las cosas y las cosía juntas. Supongo que en ese momento Ann Demeulemeester y los diseñadores de Amberes, y Martin Margiela y Comme des Garçons, todas esas cosas que eran un poco artísticas, austeras y no tan femeninas, [estaban] empujando los límites de lo que podría considerarse buen mozo. La moda [estaba] simplemente cambiando, y estos diseñadores estaban a la vanguardia de lo que era genial. También estaba Helmut Lang. Entonces había más de una vibra sensata de las cosas. Yo lo veo mas serio.

Ejecución 7 1 de noviembre de 1998 Galería 360°, Tokio y Galería Andrea Rosen, 525 West 24th Street, Nueva York

Cianciolo: Cuando Aaron Rose y yo nos casamos, uno de sus coleccionistas dijo: "Te llevaremos a Tokio en primera clase, imprimiremos 1000 copias del libro de Susan y haremos una exhibición en la Galería 360 en Tokio". Fue mi regalo de bodas. [Después de Tokio] hicimos el show en el nuevo espacio de Andrea Rosen en Chelsea.

Había una exposición de Wolfgang Tillmans —todas sus fotos estaban publicadas— y colocamos esta pequeña cuerda de terciopelo y mostramos en el centro. Liz [Goldwyn] llamó a Sotheby's y preguntó si podíamos prestarnos maniquíes. Tenían estos Lucite vintage, y luego llamé a Ralph Pucci y revisé su basura y encontré todos estos maniquíes rotos. [Estos fueron colocados] en la sala delantera; en la trastienda coloqué mesas plegables al estilo de un mercado de pulgas.

Fue entonces cuando comencé a estar en las actuaciones yo mismo. Yo estaba en una mesa, había diferentes personas en diferentes mesas, y una a la vez la gente se sentaba y yo hacía una demostración, y Jennifer Hamdan, mi asistente principal, hizo lo mismo. En una mesa teníamos los libros amontonados y podías comprar un libro. He estado repitiendo esta exposición; Recientemente [lo hice] en Los Ángeles en 356 South Mission Road, donde alineé las mesas de la misma manera con artistas en cada mesa dando demostraciones, haciendo referencia a las cosas que hacía entonces.

Rosa: Creo que mi colección favorita fue Run 7, pero eso podría cambiar mañana. Algo sobre la yuxtaposición de colores y materiales me pareció muy "icónico" Susan.

Duong: Susan estaba en sus desfiles en ese entonces, quiero decir, ni siquiera sabría si pudiera llamarlos desfiles de moda, podría haber sido una actuación artística. ¿Cual es la diferencia? Estaba mirando fotos de la última exposición de arte de Susan y me pareció que era lo mismo, excepto que ella solía [usar] mujeres para llevar la ropa. Es una continuación.

Goldwyn: Trabajaba en Sotheby's y me ponía estos trajes locos que [Susan había hecho], y los guardias corrían detrás de mí y decían: "¡Te enganchaste la falda en la escalera mecánica!". Y todos los amigos de mi familia decían: "Lizzie, tienes hilos colgando de tu ropa", y trataban de cortarlos. Ese fue también el momento en que Margiela era realmente popular y había un movimiento de deconstrucción completo en la moda y Susan personificó eso para Estados Unidos.

Asfour: Solía ​​ver a Susan como una deconstruccionista, pero cuando la conocí mejor, comencé a darme cuenta de que se trataba más de reutilizar, que era una nueva forma de construcción. Básicamente fue reutilizar pero con instinto, porque cada pieza tiene su propio sentimiento, por lo que no había este tipo de energía de producción en masa en ella. Era simplemente personal; cada pieza tenía su propio toque personal y eso es lo que hizo que Susan fuera especial para mí. Siento que [reutilizar] es el futuro porque hay algo en no desperdiciar cosas, en saber cómo usar las cosas que existen que es muy atrevido. En el momento en que Susan lo estaba haciendo, nadie lo estaba haciendo. No estaba pensando en verde, lo estaba haciendo más por instinto y siento que tuvo bastante éxito porque tiene su propio estilo, no encajaba en ningún lado y era su propio tipo de voz.

Run 8 15 de febrero de 1999 Lady Mendl's Tea Salon, 56 Irving Place, Nueva York

Cianciolo: Lysa [Cooper] y Liz [Goldwyn] prácticamente produjeron ese programa. Liz encontró ese espacio. [Conocí a Lysa a través de Andrea Rosen]; Lysa era cercana a Francesco Clemente [y] le preguntó si compraría una de mis muñecas. Ese fue el dinero que usamos para producir ese programa. El té que elegí fue muy específico, y los [samovares] plateados, esa configuración, solo recuerdo lo especial que era, y el sentido de detalle de Liz. . . .

El casting fue en su mayoría no modelos. Rosalie [Knox] estaba fotografiando, pero ella estaba en el programa, yo estaba en el programa, Anette estaba en el programa, Carla [Wachtveitl] estaba en el programa, Liz eligió a Anh [Duong]. Dame Darcy, que es una especie de famosa dibujante de cómics, usó un atuendo que Rachel Feinstein tomó prestado más tarde para su apertura en White Columns. Recuerdo que Dame Darcy destrozó todas las luces en la trastienda y el hotel no estaba contento con eso, pero los fanáticos salieron de la nada porque ella estaba en el espectáculo; ella tiene algún tipo de seguimiento de culto.

[Las modelos sirvieron] estas trufas de chocolate hechas con una receta familiar que me dio mi prima que las hacía cada Navidad. Las hicimos físicamente en mi estudio y las servimos en estas bandejas de plata. Los textiles de esa colección, como las plumas de pavo real, eran simplemente escandalosos; eran muy, muy intrincados. Empecé a involucrarme cada vez más en el aspecto laboral y de alta costura. Yo diría que por eso ese lugar era perfecto para esa colección.

McDonald: Las [presentaciones] siempre fueron bastante increíbles; el espacio siempre fue parte del espectáculo. El enfoque de Susan fue en gran medida un ángulo de arte sofisticado y específico del contexto sobre la moda. Recuerdo una vez que dije: "¡Las modelos son increíbles!" Y ella dijo: "Danny, no uso modelos, ¡uso personas!". Ella siempre tuvo personajes interesantes y simplemente estaba haciendo las cosas de manera diferente.

Duong: Honestamente, [lo que Susan estaba haciendo] no se sentía tan diferente a la alta costura porque realmente se trataba de la propia fantasía y un punto de vista muy fuerte. Está bien, definitivamente tenía un aspecto sucio, pero para mí siempre fue alta costura. Su trabajo es único. Ella tenía su propia visión; no era ropa comercial, por lo que cae en el mismo espíritu [de la alta costura]. Recuerdo [Susan me dio] esta falda de mezclilla. Lo recuerdo precisamente porque estaba cosido a mano, era como un bordado con puntadas, y el corte también era genial. De nuevo, la singularidad. Sabías que si llevabas esa falda serías la única que la tendría; hoy en día todo el mundo tiene todo y qué más da, todo el mundo lleva la misma ropa.

Carla Wachtveitl, ejecutiva de Chanel: Los puntos, recuerdo los puntos. Estaban por todas partes. Eran brutales y frágiles al mismo tiempo. Tocaron una fibra sensible en mí; Me atraían. A veces es como si una pieza de la tela se estuviera desmoronando, pero no del todo. Es perfecto para la impermanencia, "colgando de un hilo". La ropa de Susan puede ser puritana, recatada, de abuela a primera vista, pero también excéntrica, punk, gitana o de la edad de piedra. [Siempre son] poéticamente hechos a mano. Lleno de capas. A menudo sexy, en realidad. . . en mi mundo/interpretación.

Run 9 11 de septiembre de 1999 Presuntas galerías, 809 Washington Street, Nueva York

Cianciolo: Run 9 fue en el nuevo Supuesto que Aaron abrió en Washington Street frente a [donde] se encuentra el Whitney ahora. En ese momento, íbamos allí por la mañana y había sangre de carne por todas partes y nadie a la vista. Construí estas estructuras plegables de madera con bisagras de latón con Aaron Lown, quien hizo las paletas para la ejecución 2. Se basaron en las clavijas fusionadas para colgar kimonos; [eso es lo que] estábamos usando como referencias. Todo en ellos era exquisito. Estaba tan enamorada de ellos. Mi concepto fue que hice un vestido de alta costura, en mis palabras, para cada uno; solo había un vestido para una estructura. Si fueras un coleccionista, quizás quieras tener esa estructura.

Era un espacio grande y hermoso y eran solo esas estructuras, ya sabes, físicamente era tan impresionante y los colores muy pastel, y había una enorme cantidad de bordados y trabajo con shiboris. . . . Empecé a ver a un curandero en ese momento porque mi dedo meñique se puso negro debido a [de todos] los drapeados y la costura. Nunca volveré a coser así, nunca. Ese espectáculo recibió tantos pedidos y había tantas piezas que solo yo podía producir a mano en el maniquí. Empuje. Yo estaba como Esto es lo más laborioso que voy a hacer en mi vida y eran solo capas de bordados y pintados a mano y todo fue completamente a mano. Quería empujar los límites.

Siempre tuvimos este sentido del humor en [las colecciones], así que le dije a Aaron Rose: "Voy a abrir la exhibición a cualquiera en el mundo que quiera hacer un animal de cualquier tipo, dejarlo y ser en el espectáculo". Y él dijo: "Por favor, no hagas eso, es como una pesadilla". Y yo estaba como, "¡Lo estamos haciendo!" Entonces, por supuesto, una artista, Libby McInnis, con quien trabajé mucho, hizo el animal más gigante posible. La gente dejaba [cosas] locas. Fue entonces cuando comencé a abrir [aspectos] más relacionados con la comunidad.

Y luego hubo una pieza de actuación [también]. Todos usamos camisetas de Run en la inauguración [y] salí con un perfume. Tenía una habitación trasera [donde había un biombo que pinté] y esta mesa baja japonesa. Encontré un soplador de vidrio [que] hizo estos frascos de perfume de vidrio a mano con diferentes tapones y luego Kim Bennett pintó las etiquetas a mano. A Jennifer Hamdan y a mí se nos ocurrieron los aromas. Recuerdo que Liz [Goldwyn] estaba en el programa y en la actuación. Estaba en la trastienda con Jennifer y podías sentarte en esta mesa baja de madera y probar cada perfume.

Rosa: Siempre vi su trabajo como algo por encima de ambas descripciones [de la moda y el arte]. Elevó el acto de vestirse a una forma de arte y llevó la idea de las bellas artes a un nivel más pedestre porque las piezas eran accesibles. Susan nunca tuvo ningún problema con esta dicotomía. Creo que a la prensa siempre le importó más que a ella.

Gilhart: Susan's no era un gran negocio, pero era interesante y coleccionable. Fue la guinda del pastel. Para un cliente que estaba comprando mucho Comme des Garçons o Dries Van Noten, las piezas de la colección de Susan eran realmente intrigantes y tenían ese toque de intelectualismo que ansiaban. Era actual, pero no de marca y grande. Se sentía muy subterráneo / céntrico y ese era el lugar perfecto para estar en ese momento.

Ejecución 10 6 de febrero de 2000 Andrea Rosen Gallery, 525 West 24th Street, Nueva York

Cianciolo: Run 10 fue mi reacción a [Run 9]. Fue en la casa de Andrea en Chelsea nuevamente y dije: "Vamos a cambiar todo y vamos a hacer una pista recta". Le pedí a un diseñador de muebles, Chris, el esposo de Jennifer Hamdan, que construyera una pasarela. Recuerdo que Vidal Sassoon patrocinó el desfile y me dio $10.000 y gasté [casi] todo en la pasarela y las bancas que construyeron a mano. El resto [del dinero se gastó] en maquetas. Le pregunté a un agente de casting: "¿Puedes elegirme modelos viejos, como mayores de 30 años o algo así?". Kim Gordon estaba en ella.

Hice trajes completamente a la medida, era muy Bernadette Corporation. Me sentí. Fueron todos estos hermosos trajes y blusas, pero la complejidad. . . . [Por ejemplo,] estaba esta [pieza] de lino blanco en la que nos sentamos allí durante meses y tiramos de cada hilo para crear patrones. Ni siquiera quise que [el usuario] supiera [sobre el trabajo involucrado]. Fueron meses de bordados en el interior porque pensé que esa era la belleza de los primeros tiempos cuando todo este bordado personal estaría en tu combinación.

Bueno, la prensa lo odió y nadie lo entendió. Por supuesto, ahora creo que se ve como exquisito. Quiero decir, si sabes cómo hacer un traje a medida, para mí es cuando sabes. . . . Esa fue la cosa, nunca estuve mintiendo desde el principio. Me encantan los diseñadores que nunca han estudiado, pero especialmente viniendo de mi experiencia, era importante para mí convertirme en un maestro en una chaqueta a medida. Pude ir a una de las mejores universidades, lo cual era muy raro de donde vengo. Poder hacer una colección a medida era como un arte.

Toda la prensa estaba tan obsesionada con todos mis bordados y destrozaron [Run 10]. Hubo todos estos grandes patrocinadores de Italia que volaron, pero lo que sucedió fue que comencé a tener un colapso mental por la presión. Mucha gente me quería y todos estaban peleando y nunca terminó y [era] todo sobre el dinero y quién iba a hacer una producción más grande, así que pude ver, wow, así era el mundo de la moda real. como.

Asfour: Después de que se hizo la deconstrucción, hubo tiempo para hacer la reconstrucción nuevamente. Hussein Chalayan ya era pionero, luego llegaron los recién llegados, como Junya Watanabe, quien básicamente estaba tomando los elementos de la moda y juntándolos [juntos] de una manera diferente, siguiendo el cuerpo humano, estando más [interesado en] la libertad de movimiento y la libertad de espíritu. Al menos desde nuestra perspectiva, esa fue la intersección con nuestro estilo de vida. El cuerpo tenía que ser más ágil, tenía que ser más libre, y eras más consciente de que el entorno que te rodeaba tenía que estar acorde con tu anatomía y tu movimiento. La gente que conocimos en el centro tenía toda esa vibra; eran este tipo de espíritus libres, y también rebeldes. Querían cambiar las cosas. No estaban satisfechos con cómo estaban las cosas. Querían hacer algo diferente.

Run 11 17 de septiembre de 2000 75 Eighth Avenue, Nueva York 9 de octubre de 2000 Purple Institute, 9, Rue Pierre Dupont, París

Cianciolo: Cuando entré en la carrera 11, era un desastre. Acabo de hacer toda una serie de kits, cientos de kits.

Alquilé esta tienda en Chelsea y [el espectáculo] fue presentado en la calle por mis asistentes, gente que conocía, exmodelos, músicos y todos vestían la colección. Estaba [organizado como] una tienda falsa: Chris Johanson ganaba dinero falso, Run money, e ibas a cada estación y fingías que estabas comprando algo y obtenías una demostración. En ese momento lo llamamos un escaparate de guerrilla porque las ventanas emergentes aún no existían. Abrí un día en Nueva York y un día en París en el Instituto Púrpura, que fue mi último desfile oficial.

Liz dijo que teníamos que alquilar un remolque en el que pudiera sentarme en la calle. Ella estaba como, "¿Cómo vas a hacer el cabello y el maquillaje? ¿La vestimenta?" Shiseido lo patrocinó, así que hice toda una serie de estuches para todos los productos de Shiseido a mano e hice, [como] una broma, un simulacro de una colección para el hogar, llamada Run Home, y la colección para el hogar Kiva Motnyk que hazlo ahora, se basa en eso. [Run 11] fue la última colección, que creo que sabía en cierto sentido.

Krasilcic:Creo que, en cierto modo, fuimos la resistencia porque no tomamos el camino de la producción en masa, la inversión y la estructura.

Rosa: Creo que los años 90 se trataban mucho de [sentir] que tenías derecho a serlo. Y no era un derecho político; no era como ahora, como que vamos a pararnos y tener un derecho o una señal. Había una libertad para ser realmente individualista. [Era] el derecho a estar completamente encarnado en uno mismo, no como una referencia a otra cosa, sino como una cosa en sí misma. [Era] esa idea de realidad, de tener una experiencia personal auténtica y ser responsable de esa experiencia personal. Como diría Félix González-Torres, "Si tienes derecho a un punto de vista, tienes la responsabilidad de tener un punto de vista". Se trata de encarnar que hoy es diferente a ayer y que mi atuendo es diferente a ayer y que esta es la persona que soy hoy y no es porque esté asumiendo la identidad de un diseñador comprado en una tienda. Está el objeto, y está Susan, y luego está el usuario; fue una colaboración.

Rosa: Solo estábamos haciendo cosas. Todo fue muy en el momento. Todos los involucrados se estaban divirtiendo y siendo lo más creativos posible. Solo en retrospectiva, especialmente a través de conversaciones con personas más jóvenes que han sido influenciadas por el trabajo de Susan de ese período, parece que pudo haber tenido algún impacto. Siempre es tan difícil determinar qué hace que algo sea influyente. Para todos los involucrados en la colección Run, se trataba simplemente de hacer algo de nuestro tiempo. Susan no fue influenciada por otros diseñadores. ¿Quizás esa es la diferencia?

Rayder: Susan simplemente no ha cambiado. Ahora nos reímos de eso porque ella dice: "Simplemente estoy haciendo lo mismo que siempre he hecho y ahora la gente dice, '¡Guau!' Pero todo el mundo estaba como, "¡Guau!" en la década de 1990 sobre ella. Es solo que todo era tan diferente; las redes sociales cambian mucho y la gente se vuelve. . . su estrella brilla mucho más de esta manera que no es necesariamente real. Si en Nueva York, a principios de los años 90, hubiéramos tenido acceso a compartir información de la forma en que lo hacemos ahora, Susan habría obtenido el mismo crédito y creo que habría explotado aún más.

Run Restaurant 9 al 17 de marzo de 2001 Presuntas galerías, 809 Washington Street, Nueva York

Cianciolo: Run Restaurant fue físicamente la próxima temporada, pero fue [realmente] cómo hice la transición. Lo presenté en la galería de Aaron y al mismo tiempo le dije que sentía que debíamos separarnos y él estuvo de acuerdo, le dijo al estudio que estaba cerrando, y aunque Run Restaurant era muy alegre y hermoso, todo esto, veo la prensa. que habla de eso fue como un "ashram", fue muy agridulce. . . .

Ackerman: El arte de Susan era y es sobre el amor y el cuidado, enseñando a la gente a cuidar y apreciar las maravillas diarias. Su trabajo tiene la capacidad de unir a las personas y convertirlas en una entidad, casi en un sentido tribal cuando las mujeres se sientan en un círculo de tejido. Ella da la oportunidad de despertar a todos a su propia llamada creativa. Ella es como un mago o un chamán moderno que enseña autocuración y supervivencia con oficio.